30.9.09

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Fantasmas Famosos



Japón:
El espectro de Kuchisake-onna, una mujer espantosamente desfigurada durante la época Heian por un marido celoso (un samurai que con unas tijeras le descarnó la parte inferior de la cara para descubrirle los dientes y la mandíbula; vuelta un maléfico fantasma, es uno de los más famosos y se la representa en unas máscaras verdaderamente horribles).

Inglaterra:
Torre de Londres. Se dice que allí apareció el fantasma sin cabeza de Ana Bolena, el fantasma de Thomas Beckett, el espectro del Rey Eduardo V de Inglaterra y de Ricardo, duque de York; el fantasma de la señora Jane Grey, de sir Walter Raleigh y del Conde de Salisbury, además de una desconocida señora vestida de luto, carente de rostro.

Francia:
La Abadía de Mortemer cuenta al parecer con el fantasma de Mathilde la Emperatriz, hija pequeña de Guillermo el Conquistador; aparecería las noches de luna llena.

Canadá:
En la iglesia de San Juan Evangelista de Montreal ha sido visto y fotografiado un sacerdote católico, el reverendo John Wood, que murió en 1969. Varios sacerdotes y feligreses lo han visto; es un fantasma benéfico y positivo, pero a veces gasta bromas a sus compañeros vivos cambiando sus objetos personales de sitio, como solía hacer cuando estaba vivo; en algunas ocasiones ha confesado y dado su bendición a gente antes de desaparecer.

Italia:
Calígula habitaba los Jardines de Lamia, en Roma, donde fue echado y quemado su cadáver después de ser asesinado; solamente después de sepultar sus huesos las apariciones cesaron.

México:
La Llorona es una leyenda muy antigua, quizá de origen maya. Se dice que es una mujer indígena, enamorada de un caballero español o criollo, con quien tuvo tres niños; el hombre la abandonó por una española con la que casó y la indígena, loca de celos, mató a sus tres hijos ahogándolos en el río, y luego, al ver lo que había hecho, se suicidó. Desde entonces su fantasma pena y se la oye gemir fuertemente o gritar "¡Ay, mis hijos!". Suele hallársela cerca de los ríos y lugares donde hay agua, aunque hay testimonios de lloronas vistas u oídas en otros lugares de México e Hispanoamérica.

Estados Unidos:
Lady in gray o Mujer de gris, fotografiada varias veces en una biblioteca de los Estados Unidos; es un fantasma inofensivo, inocente, tímido y huidizo, y parece tener miedo de las personas desconocidas, porque cuando se hicieron obras en la biblioteca se fue a vivir con una de las bibliotecarias hasta que terminaron. Seguramente el ruido molestaba o interrumpía su lectura.

Estonia:
En la ciudad-balneario de Haapsalu se aparece una dama blanca cada luna llena de agosto en la ventana del Castillo Episcopal. Por lo visto es una mujer emparedada al ser descubiertos sus amoríos secretos con un sacerdote que, disfrazado de chico del coro, la visitaba en sus aposentos.

Grecia:
Los Drosoulitas (en griego original, Δροσουλίτες) constituyen un largo desfile militar de fantasmas, al estilo de la Estantigua castellana o Santa Compaña gallega, que residen en Frangokastello (en griego, Φραγκοκάστελλο) un área de la isla de Creta, en Grecia. Están armados y vestidos de negro. El fenómeno dura unos diez minutos y aparece cada año en el aniversario de la Batalla de Frangokastello (17 de mayo de 1828) o en junio. Se supone que son los 350 militares acaudillados por Hatzimihalis Dalianis durante la Guerra de independencia griega, que fueron masacrados por los turcos. Pueden observarse durante los días claros, a unos mil metros.

España:
El Museo de Arte Moderno Reina Sofía de Madrid tiene desquiciados a algunos vigilantes nocturnos que escuchan voces, ven subir y bajar solos a los ascensores y moverse objetos. El edificio fue anteriormente un hospital muy antiguo.

29.9.09

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El Museo de los Fantasmas



Hace unos días miré con mi compañero Mariano, por enésima vez, la saga “Poltergeist”, (un clásico de las películas de terror de la década de los ´80 y porque no de todos los tiempos).
Sí, me apasionan las películas de terror, especialmente cuando hay fantasmas (me atrevo a decir que todos, alguna vez, hemos escuchado alguna leyenda o narrado algún cuento sobre fantasmas, y ya sea que elijamos, o no, creer en los espíritus es innegable que sólo tenemos que observar a través de la historia para encontrar estas apariciones).

Los fantasmas (del griego φάντασμα, "aparición") son supuestos espíritus o almas desencarnadas que se manifiestan entre los vivos de forma perceptible (por ejemplo, tomando una apariencia visible, produciendo sonidos u olores o desplazando objetos -poltergeist-) principalmente en lugares que frecuentaban en vida, o en asociación con sus personas cercanas.
La creencia en fantasmas, espectros, ánimas del Purgatorio, almas en pena/ errantes es muy propia de la naturaleza humana y ha generado, y genera, una amplia literatura (novela gótica o de terror) que ha inspirado a la cinematografía y al teatro.
La creencia en fantasmas se testimonia desde los primeros textos escritos sumerios y egipcios: el fantasma de Enkidú se apareció a Gilgamesh en la llamada Epopeya de Gilgamesh. También se encuentra extendida por otras civilizaciones de muy distinto desarrollo cultural. La Odisea del griego Homero y la Eneida del latino Virgilio acogen viajes de ultratumba. Los romanos ponían un puñado de tierra sobre el cadáver porque si no el alma erraría por toda la eternidad en la ribera de la Estigia, y era preciso poner una moneda en la boca para pagar al barquero o el alma no tendría descanso. Por eso aterraba a los romanos navegar por el mar, ya que no recibirían honras funerarias. A los suicidas romanos se los enterraba con la mano cortada y separada del cuerpo, con el fin de desarmar a su espíritu. Los fantasmas buenos para los romanos eran los manes o espíritus de los antepasados; los malvados eran las larvae, almas de hombres malvados que vagan errantes por la noche y atormentan a los vivos.
En las civilizaciones orientales muchos creen en la reencarnación o transmigración de las almas. En China son numerosos los relatos tradicionales sobre fantasmas; se creía en ellos y hasta se les rendía culto. Dentro del Budismo, los fantasmas son almas que rehúsan ser recicladas en el curso del Samsara (ciclo de la reencarnación).
En Occidente la creencia en fantasmas se fue difuminando desde la creencia irracional en ellos de la Edad Media al escepticismo de la Ilustración en el siglo XVIII, cuando el padre Feijoo, embutido en una lucha sin cuartel contra las supersticiones, llegó a decir que "no hay fantasma ni espectro que no desaparezca al conjuro de una buena tranca". En ese mismo siglo, el doctor Samuel Johnson llegó a la conclusión de que el fantasma de Cock Lane en Londres era una farsa. La creencia en fantasmas, sin embargo, resurgió poderosamente con el Romanticismo del sigo XIX y todavía hoy se ve a los fantasmas como almas en pena que no pueden encontrar descanso tras su muerte y quedan atrapados entre este mundo y el otro. La imposibilidad de encontrar descanso responde a una tarea que el difunto ha dejado pendiente o inconclusa ("promesa"): así, puede tratarse por ejemplo, de una víctima que reclama venganza.

Un dato interesante que no puedo obviar es el siguiente:
Estudios recientes indican que muchos occidentales creen en fantasmas; en sociedades donde la religión tiene mucho predicamento, como los Estados Unidos, una encuesta demostró que el 32% de sus habitantes cree en fantasmas (y en la vida luego de la muerte o del más allá).

Si usted se quedó con ganas de saber aún más, mucho más, sobre estos fantasmas puede concurrir al “Museo de los Fantasmas” (“Ghost Museum Prague”), que ha abierto sus puertas en el distrito de Malá Strana, en las cercanías del Puente de Carlos, para acoger las leyendas fantasmagóricas más célebres de Praga.

Si, un lujo para los amantes, o no, de los espectros y desde ya, un museo que, Dios y billete de por medio, me ENCANTARIA visitar....Buuuuuu.
Salud!
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Los Autos Famosos del Cine y la TV



BATMAN
Marca: Lincoln
Modelo: Futura Batmobile
Año: 1955
La compañía Lincoln diseñó este modelo exclusivamente para su uso en la serie televisiva y en la película de 1966. Era tan ancho que casi no cabía en la apertura de la baticueva, por lo que las salidas del automóvil hubo que rodarlas a cámara lenta, para luego darle velocidad en la sala de montaje.

PSICOSIS
Marca: Ford
Modelo: Custom 300
Año: 1958
Es el coche en el que Marion va al hotel, para luego hundirlo en la laguna. En la misma película, la policía llegaba en un auto igual, pero modelo 1959. En la remake del film, se lo cambió por un Volvo 740 modelo 1989, que conservaba la misma matrícula que el original.

CHRISTINE
Marca: Plymouth
Modelo: Fury
Año: 1958
Una edición limitada, bastante cara, ya que se construyeron pocas unidades. Más cara aún desde esta película, ya que en su rodaje se destrozaron una docena de ellos, lo que despertó la ira de los fanáticos del automóvil. Un auto habitual en los relatos de Stephen King.

LOS CAZAFANTASMAS
Marca: Cadillac
Modelo: Ambulancia
Año: 1959
El vehículo era en realidad una ambulancia/limusina usada en los ´60. También aparece en la segunda parte de la película.

CUPIDO MOTORIZADO
Marca: Volkswagen
Modelo: Beetle
Año: 1963
Herbie era un mítico escarabajo, que protagonizó cuatro películas más, una serie de TV, un telefilm, y finalmente, la reciente versión estrenada hace un par de años.

JAMES BOND
Marca: Aston Martin
Modelo: DB5
Año: 1964
Sean Connery disponía de un modesto Sunbeam Alpine Cabriolet alquilado. Recién en la tercera película, Goldfinger, apareció por primera vez su coche preferido, preparado especialmente para él: un Aston Martin DB5, auto y marca que desde entonces serían sinónimos de James Bond.

MAD MAX
Marca: Ford
Modelo: Falcon
Año: 1973
Varios modelos salen en la película, pero este es el que maneja el protagonista. El coche amarillo que Max lleva es un Ford Falcon modelo 72.

STARSKY & HUTCH
Marca: Ford
Modelo: Gran Torino
Año: 1976
El Ford Torino comenzó a comercializarse en 1968, con el fin de sustituir a otro de los modelos míticos de la marca del óvalo azul en los Estados Unidos: el Fairlane. Las escenas de conducción habituales, eran realizadas por el actor que encarnaba a Starsky, Paul Michael Glaser, mientras que las más arriesgadas, eran llevadas a cabo por el especialista Chuck Picerni, ya que cualquier accidente hubiera arruinado el rodaje. El Ford Gran Torino de 1976 costaba 4.461 dólares de la época y contaba con una caja de cambios automática, neumáticos con llantas de acero y frenos de disco delanteros.

DUKE OF THE HAZZARD
Marca: Dodge
Modelo: Charger
Año: 1979
Serie protagonizada por John Schneider y Tom Wopat como los traviesos Dukes. Estos dos “buenos muchachos” se “enredaban” con los oficiales de policía del condado, poniéndolos en peligro cada semana. Sin embargo, la estrella real del programa era el auto de los Dukes, el "General Lee", un Dodge Charger de 1969 pintado de naranja brillante y con una bandera de la Confederación en su techo. El auto fue una opción acertada: el Dodge Charger ganó 22 de las 54 carreras de la Asociación Nacional de Carreras de Autos de Serie (NASCAR) en 1969. Los Dukes de Hazzard estuvieron al aire durante siete temporadas.

BRIGADA A
Marca: GMC
Modelo: Chevrolet
Año: 1985
Mario Barakus (Mr. T) conducía semejante bólido cuyo paradero se desconoce aún. Algunos dicen que la camioneta GMC original de Brigada A está abandonada y semidestruida en un depósito de Universal Studios, otros dicen que ha sido vendida mediante una subasta.

VOLVER AL FUTURO
Marca: De Lorean
Modelo: DMC 12
Año: 1981
De Lorean era una compañía que había sido fundada en 1975, y que había quebrado en 1982. Entre sus diseños estaba el de este coche, que se haría famoso cuando ya no se fabricaba. Hoy en día, quedan unos 6000, y su precio, para un vehículo en perfecto estado, ronda los 30 mil dólares.

28.9.09

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Objeto Museístico: "KITT el Auto Fantástico"



“El auto fantástico, un viaje increíble hacia el mundo de un hombre que no existe… Michael Knight un joven dedicado a defender la causa de los inocentes, los desesperados, los afligidos, los indefensos…en un mundo de criminales que operan al margen de la ley”.

Cuando tenía aproximadamente 10 años miraba religiosamente, al igual que mis hermanos, la serie “Kitt el auto fantástico” (al inicio de cada capítulo mi hermano Javier entraba en una especie de “trance”, o cuasi estado catatónico, que duraba lo que Kitt estuviera en la pantalla).
En el año 1988 el auto fantástico vino a la Argentina. La exposición llamada "Hollywood Cars” se hizo en la Rural y por tal motivo miles y miles de niño/as concurrimos a verla. Quiero decir públicamente que en dicha exposición mis hermanos y yo sufrimos una profunda descepción ya que cuando fuimos a sacarnos la foto con Kitt (que desde ya salía una fortuna), en lugar de hacernos subir al auto fantástico nos pusieron detrás de un cartón que “simulaba” ser el adorado cochecito!!. A continuación la prueba.



El tema de la foto es una herida que quedará abierta para siempre en nuestros corazones...pero en fin, a pesar de todo Kitt siempre seguira siendo nuestro querido auto fantástico y Michel Knight (si, es el mismo que trabajó en Baywatch) también seguirá siendo uno de nuestros héroes.



“Kitt El Auto Fantástico” es una serie de televisión estadounidense que comenzó a emitirse en el año 1982 y permaneció en el aire hasta 1986 (fueron en total 90 capítulos).
Kitt (que es el acrónimo de Knight Industries Two Thousand, la empresa que lo fabricó) era un auto “inteligente” el cual disfrutaba de amenas y largas charlas con “Michael Knight”, un defensor y protector de los pobres y desamparados (protagonizado por el actor David Hasselhoff).
El auto utilizado en la serie era un Pontiac Firebird Trans Am (el Pontiac Firebird es un automóvil deportivo que la marca estadounidense Pontiac construyó para que su subsidiaria General Motors siguiera punteando en los deportivos más apetecidos del mundo entre los años 1967 y 2002. Debe su nombre a un dios de la India que simbolizaba la acción, el poder, la belleza y la juventud. El Firebird fue presentado solo seis meses después de su hermano de plataforma, el Chevrolet Camaro. Esto coincidió con el lanzamiento del Mercury Cougar. Los vehículos fueron, en su mayor parte, potenciados por diversos motores gasolina V8 de las diferentes divisiones de GM).




El tema principal de la serie fue compuesto por Stu Phillips y Glen A. Larson (Phillips compuso la música para los primeros doce episodios, pero más tarde fue reemplazado por Don Peake el cual se basó en el tema original agregándole esta vez música electrónica, una caracteristica propia de la serie).
En el año 2007 una noticia revoluciono el mundo de los fanáticos de Kitt: uno de los cuatro "coches fantásticos" que se utilizaron en el rodaje era puesto a la venta, tras el asesinato de su último dueño.
El abogado y administrador del patrimonio del promotor inmobiliario Andrew Kissel, asesinado en abril de 2006, lo puso en venta en la casa de remates eBay (el coche, un Pontiac Trans Am del año 1982, tiene unos 8.000 kilómetros, informó el diario neoyorquino Daily News).
El abogado confía en obtener al menos 20.000 dólares por "el auto fantástico", que Kissel, cuyo asesinato está todavía sin resolver, compró en 2005 por 69.000 dólares. Con el dinero obtenido el abogado espera saldar parte de las deudas que ha dejado el finado.



Esta demás decir que si tuviera el dinero le regalaría el auto a mi hermano para que, aunque sea por un instante, se sienta como el único e indiscutido Michel Knight (eso sí, antes de su incursión en Baytwach).
Salud!

22.9.09

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Noticias museísticas: Match Kasparov-Karpov (a 25 años de su primer duelo)



Aproximadamente 10 años de mí vida me dediqué por completo al ajedrez (fue una etapa que se caracterizó por extensas horas de estudio y de largos viajes).
Mi relación con el juego ciencia comenzó en el año 1984 debido al match por el Campeonato Mundial entre Anatoli Karpov y Gary Kasparov. Este histórico y épico Match entre los dos monstruos del ajedrez es recordado como el más polémico de la historia ya que luego de 48 partidas fue terminado sin resultado alguno por la arbitraria decisión de Florencio Campomanes, el Presidente de la FIDE, y se anunció que unos meses más tarde se realizaría un nuevo campeonato. La resolución de Campomanes, según su propia declaración, estuvo basada en razones de salud (Karpov había perdido 10 kilos y fue hospitalizado reiteradas veces) y en lo inhumano del inacabable match. Kasparov, terriblemente enojado, expuso que la anulación sólo favorecía a Karpov, y alegó que habiendo triunfado en las dos últimas partidas, y gozando de una excelente salud, estaba confiado en sus posibilidades de remontar y ganar el match. La acusación de Kasparov provocó la acérrima e irreconciliable enemistad entre los dos mejores jugadores del mundo.
A quien favoreció realmente la culminación del match es una gran incógnita que perdurará y permanecerá siempre en el mundo ajedrecístico. Y es que ese match escenificó un choque generacional, cultural y político: el hijo de la perestroika frente a los viejos cánones soviéticos.



El segundo match entre Karpov-Kasparov, en el año 1985, fue organizado en Moscú al mejor de 24 partidas donde el primer jugador que llegara a 12,5 reclamaría el título. A la edad de 22 años Gary Kasparov, por un marcador de 13-11, conquistó el titulo mundial rompiendo el record del Campeón del Mundo más joven, ostentado durante 20 años por Mijaíl Tal, que tenía 23 cuando derrotó a Mijaíl Botvínnik en 1960. La victoria de Kasparov con piezas negras en la 16ª partida ha sido reconocida como una de las obras maestras de todos los tiempos en la historia del ajedrez.

A partir de hoy, y a veinticinco años de su primer enfrentamiento por la conquista del cetro mundial del ajedrez, Gary Kasparov y Anatoly Karpov, ya reconciliados, se enfrentarán de nuevo en un match a 12 partidas, 4 semirápidas (25 minutos) y 8 rápidas (5 minutos) con motivo de los actos históricos de 'Valencia Cuna del Ajedrez Moderno' y, desde ya, en celebración de su primer match, una de las luchas más feroces e interminables que se recuerdan en la historia del ajedrez.




Recuerdo que cuando vino Kasparov a la Argentina, en el año 1992, yo tenía entre 14 y 15 años. Con su impecable porte y su mirada penetrante, jamás voy a olvidar el día en que, estando en uno de los interminables pasillos del Club Argentino de Ajedrez, estreché la mano del majestuoso “genio de Baku”.
¿Cholula?...y sí, puede ser, que más da!.
Salud!.

21.9.09

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Museo de la Basura de los Famosos.


No tengo una fuerte adicción a los programas “chimenteros”, pero tengo que admitir que cuando era adolescente (y ahora recuerdo que no tanto) me he quedado “pegada”, más de una vez, frente a la televisión mirando algún escándalo farandulezco (y sí…lo voy a decir, he mirado a "Lucho Aviles", a la dupla “Monty - Rocasalvo” y también me he despachado a gusto con “Zap TV”. CHAN).


Ahora bien: ¿Merezco que en mi prontuario se haga mención sobre este acto “cuasi-chismográfico”?, ¿soy una “cholula” por haber tenido tan solo algunos momentos de panzadas mediáticas?. No, claro que no (alego que solo quería informar, nutrir y abastecer mi profunda curiosidad hacia la excéntrica vida de las celebridades).


El “cholulismo”, práctica personificada por el cholulo/a, tiene su origen en la tira cómica de los años 50 y 60 llamada “Cholula, loca por los astros” (una adorable jovencita bastante obsesiva que correteaba sin cesar, en busca de autógrafos, a las estrellas del mundo de la farándula). El cómic era muy mordaz y se mofaba de la “frivolidad” del mundo del espectáculo. La gran circulación y el éxito de la tira hizo que, con el paso del tiempo, el término “cholula” pasara al uso corriente logrando sus propias características.



El concepto de “cholulo” (termino muy utilizado en Argentina), se refiere al deseo y al esfuerzo que realizan las personas que tienen como meta alternar con personajes famosos y formar parte de la farándula. De tal manera se desprende que el “cholulo” es la persona que vive pendiente de lo que hace la gente famosa, siempre está al pie del cañon para sacarse fotos, pedir autógrafos o simplemente saludar a una “estrella” (las distintas enciclopedias dicen lo siguiente: “Cholulo/la. Arg. fam. Admirador incondicional de la farándula. 2. Arg. Por ext., persona que por frivolidad busca relacionarse con personajes famosos, o que habla repetidamente de ellos. 3. adj. Arg. Por ext., frívolo, superficial”).


Ejemplo de un "cholulo" en acción:


                      
Hace aproximadamente 2 años, estos “cholulos” estuvieron de parabienes ya que los fotógrafos franceses Bruno Mouron y Pascal Rostain realizaron una exposición fotográfica sobre la “basura de los famosos” (estos hombres pasaron varios años de su vida recorriendo los “basureros” de las “estrellas” de Hollywood y fueron recopilando todo aquello que las astros tiraban en sus cestos).
La idea de esta exposición nació, en 1988, “tras la lectura de un artículo sobre la experiencia de un profesor de Sociología”, según relata Bruno Mouron (este profesor, con el fin de estudiar la sociedad de consumo, hacía recoger a sus alumnos lo que había tirado la gente a la basura). De esta manera, los dos fotógrafos, más rápido que volando, decidieron meter la mano en el tacho y hacer algo similar pero con la basura de los famosos (según cuentan estos fotógrafos, por cada expedición en busca de desperdicios hay un trabajo previo de espionaje e investigación que recaba información sobre direcciones y frecuencia del paso de los camiones de la basura).
El resultado de tanto trabajo se ve en la exposición: La actriz Halle Berry se reveló como una ferviente usuaria de cremas y cosméticos (colonias, aceites, bálsamo para los ojos, champú francés, una crema de peeling corporal, tres fotografías de su ex, tres pares de calzado infantil -seguramente de India, la hija de su ex marido- y una tabla de nutrición diaria). Lo de Arnold Schwarzenegger no son los cosméticos sino los puros cubanos (en su cesto de basura había nada menos que una colilla de Cohiba, los favoritos de Fidel) también se encontraron envolturas de chocolate, un atomizador para el aliento y un fax enviado al ex candidato John Kerry.
Por otro lado, la cantante Pink tira sartenes, tangas de tiro alto y todo tipo de facturas (Antonio Banderas también tira la ropa interior, prácticamente nueva, después de utilizarla). Nicolas Cage no sólo come caviar de la mejor marca, sino que además tira las latas de este producto sin abrir. Pierce Brosnan es un fanático de los rifles de caza. En su basura se encontraron cajas de proyectiles y demás elementos de armería. Y la lista continúa….en la sección “Mel Gibson” hay unos calzoncillos de estampado escocés -expuesto además en una vitrina, junto a otros objetos- y cepillos de dientes usados. En “Madonna” se muestra un champú de la marca ‘Superstar’ y decenas de botellas de agua, mientras que John Travolta hizo llevar a Los Ángeles mediante el servicio de mensajería Fed Ex una pizza…desde Chicago).


Si usted se considera un/a cholulo/a y quiere seguir deleitándose con los “excéntricos desperdicios” de sus “celébrities predilectas”, puede visitar el “Museo de la basura de los famosos” que se encuentra en Estados Unidos (claro está) más precisamente en Bostón (este museo recopila residuos recogidos del tacho de basura de muchos, muchos, pero muuuuchos famosos…)


Y bueno (nobleza obliga) un museo que, Dios y billete de por medio, me gustaría visitar…
Sobre gustos…(hay mucho escrito, pero eso es tema de otro post).
Salud!.

17.9.09

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Objeto Museístico: Revista Playboy

¿Quién no ha leído, ojeado, divisado, contemplado, o fisgoneado algún ejemplar de la revista Playboy?. Vaaaaamoooossss…

Esta revista, reconocida por sus elegantes y sugerentes fotos de mujeres tal cual Dios las trajo al mundo, fue fundada por Hugh Hefner en el año 1953 (cuando a principios de los años ´50 los desnudos estaban relegados a revistas marginales y clandestinas fue Hefner el que reivindicó la sexualidad convirtiéndose en el verdadero precursor del erotismo gráfico).

Habiendo sido educado en el seno de una familia estricta y muy religiosa, Hefner soñaba con crear una revista a la que llamaría Stag Party (frase que en inglés se usa para hablar de una fiesta solo de hombres). Con mucho esfuerzo y dinero (conseguido gracias a los amigos), sacó el primer número de su revista, que en el proceso se transformó en Playboy y que tuvo como imagen corporativa un conejo (el famoso logo Playboy del conejo con una corbata elegante, fue diseñado por Art Paul para la segunda edición de la revista, y desde entonces aparece en cada número. Hefner dice haber escogido al conejo por su simpática connotación, y porque en la imagen se veía juguetón, coqueto y elegante).

Playboy gozó de un triunfo inmediato, principalmente porque Hefner había comprado los derechos de una fotografía de la actriz Marilyn Monroe desnuda (tomada antes de su éxito en Hollywood) y la utilizó como el desplegable de su primera edición. Monroe ya era una estrella en el momento en que la revista fue publicada. La edición incluyó un editorial escrito por Hefner donde exponía la filosofía de Playboy (adorado por muchos, “Hef” también se ha ganado el rechazo de los grupos puritanos y protectores de la moral ciudadana llegando a acusarlo de explotar la belleza femenina para su beneficio personal).

Las entrevistas que realiza “Playboy”, famosas por su estilo confrontador, comenzaron con Marc Vilanova en septiembre de 1962 (Vól.9 Núm.9) y con el transcurso de los años siguieron con Jean Paul Sartre, Fidel Castro, Salvador Dalí, Yasser Arafat, Cassius Clay y John Lennon, entre otros.

Según cuenta una leyenda, Elizabeth Alexandra Mary Windsor, alias Isabel II, reina del Reino Unido, posó para la primera edición de la revista Playboy en 1953. La cuestión, según las malas lenguas, fue la siguiente: Hugh Hefner viajó a Londres en el verano de 1953, invitado a una fiesta de la realeza. Ahí conoció a la reina Isabel II, quien recién había tomado el trono un año antes. Al parecer, Hugh le comentó a la reina del proyecto de la revista, el cual la entusiasmó al grado de pedir a Hugh que ella fuera la primera modelo. Él aceptó con gusto pero le advirtió que podría haber problemas con la familia real, asunto que no le importó a Isabel II, ya que ella estaba muy “aburrida” y deseaba emociones “fuertes”.
Se desconoce las fechas en las que se realizaron las sesiones fotográficas, pero se supone que fue antes del mes de diciembre de 1953, cuando se publicó el primer ejemplar de Playboy. Lamentablemente (…) dichas fotos nunca se publicaron (muchos creen que fue porque el "plan" fue descubierto y se quiso evitar un escándalo) por lo menos hasta el día de hoy...



Por último quiero comentar que este “clásico” de la industria ”erótica” esta peligrando. Si señores, escucharon bien. Con 56 años de historia la tradicional revista esta a la venta!. Hefner pide 300 millones de dólares por el "imperio" de su publicación, que incluye también el reality show en el cual aparece con sus 3 blondas novias.
Al parecer, según informó la página abcnews.com, Hefner está dispuesto a escuchar ofertas del mejor postor. En fin caballeros (y damas, pues es el 40% que consume esta revista), habrá que hacer una vaquita nomás.

Hasta la próxima!.

Pd: Este post va dedicado a nuetro fiel seguidor "Pablo".
Salud!

15.9.09

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Museo de la Locura.




“…Ya sé que estoy piantao, piantao, piantao…
No ves que va la luna rodando por Callao;
que un corso de astronautas y niños,
con un vals, me baila alrededor…
¡Bailá! ¡Vení! ¡Volá!...”

Durante la mayor parte de la historia de la humanidad, y en la mayoría de las civilizaciones, a los trastornos psíquicos se les ha considerado una condena; a los enfermos, culpables y a los encargados de su atención, cuya misión era “librar a la sociedad del mal”, inquisidores. El origen del estudio de la locura está íntimamente ligado a la religión. Ya el hombre primitivo atribuyó una causa sobrenatural a la enfermedad mental, lo cual no le privó de abordar cierto enfoque terapéutico. Se han encontrado cráneos trepanados de hace más de 10.000 años pertenecientes al neolítico europeo que demuestran que ya entonces la curiosidad humana identificaba la cabeza como la caja que albergaba los secretos de la conducta trastornada (este tipo de evidencias se han encontrado en la Islas Canarias, el Norte de África y Rusia).
Hipócrates (460-377 a.C.), gran pionero griego de la fisiología, señaló por primera vez un posible origen natural de los trastornos mentales basándose en la idea de que toda enfermedad tiene su origen en el desequilibrio entre los cuatro humores corporales: sangre, bilis negra, bilis amarilla y flema. Hipócrates es, además, autor de la primera clasificación psicológica de los temperamentos (colérico, sanguíneo, melancólico o flemático) e incluso llegó a diferenciar tres categorías de trastorno mental: manía, melancolía y frenitis, ideas que perduraron casi inalteradas hasta el final de la civilización grecorromana.
La cultura romana recogió gran parte de los postulados griegos sobre la mente, aunque con algunos matices reseñables. Asclepíades, un pensador nacido en el 124 a.C., se muestra contrario a la teoría humoral de Hipócrates y sugiere la influencia del ambiente en el comportamiento patológico (también distinguió entre alucinaciones, ilusiones y delirios, y propuso una división entre males mentales crónicos y agudos).
Pero sin duda la mayor aportación de la época la realiza Galeno (130-200 d.C.), quien sintetizó todos los conocimientos de sus antecesores y realizó una nueva clasificación de los trastornos de la psique. Según su opinión, las causas de la locura podían ser orgánicas (lesiones, exceso de alcohol, cambios menstruales...) o mentales (miedos, desengaños, angustias...). Además, sostenía que la salud anímica dependiá del equilibrio entre la parte racional, irracional y sensual del alma.

Durante toda la Edad Media la locura fue terriblemente "incomprendida" (es en esta época donde surge el termino “lunático” ya que se asociaba el estado de locura temporal con las fases lunares, principalmente con la luna llena; esto también contribuyó, hasta el día de hoy, a la creencia de la licantropía -hombre lobo-). El tratamiento de los enfermos lo realizaban principalmente los clérigos en los monasterios (en un primer periodo, el cuidado exigía un trato humanitario y respetuoso, aunque el estudio de las causas del mal se abandonó en manos de la superstición y las creencias en la posesión demoníaca). Con el transcurso del tiempo, la visión caritativa del tratamiento mental se fue endureciendo hasta convertirse en habituales sesiones de torturas, exorcismos y encierros en calabozos.
En este negro panorama, no dejaron de aparecer ciertas excepciones. Así, San Agustín acepta que la razón puede modificar los trastornos del ánimo mejor que la fuerza, y Santo Tomás de Aquino reconoce que el alma no puede enfermar y, por lo tanto, la locura debe ser un mal relacionado con el cuerpo, susceptible de tratamiento.

En el Renacimiento, la locura surge como una nueva encarnación del mal. Es en este momento en que aparece la denominada "stultifera navis" (nave de los locos) que determina la existencia errante de los locos. Dicha nave fue utilizada para eliminar del territorio a estos "seres molestos" que ponían en riesgo la seguridad de los ciudadanos. Sin embargo, este viaje no sólo hacía de barrendero humano, sino que otorgaba al loco la posibilidad de "purificación", sumado al hecho de que cada uno es entregado a la suerte de su propio destino, pues “cada viaje es, potencialmente, el último” .
A partir de Erasmo de Rotterdam y del Humanismo, la locura pasa a ser parte directa de la razón y una denuncia de la forma general de la crítica. Es la locura la que ahora analiza y juzga a la razón. Los papeles se invierten y dejan ver que una no podría sobrevivir sin la otra, pues ambas son una misma cosa que, en determinados momentos, se desdobla para revalidar su necesaria presencia en el mundo.
Sólo en el siglo XVII se dominará a la locura a través del encierro, con el llamado “Hospital de los locos”, donde la razón triunfará por medio de la violencia.
"La sabiduría inoportuna es una locura, del mismo modo que es imprudente la prudencia mal entendida", Erasmo de Rotterdam.
Habrán de pasar muchisimos años más de tormentos antes de que el conocimiento de la enfermedad recibiese un gran impulso de la mano del francés Philipe Pinel (1745-1826). En plena Revolución Francesa este destacado médico, siendo director del Hospital de "La Bicètre” y luego del de “La Salpêtrière”, liberó simbólicamente a todos los enfermos mentales de ambas instituciones y sustituyó el término loco por el de alienado (sin embargo su mayor aportación fue la de conferir rango científico al tratamiento de la psique enferma). Además, sugirió la creación de cuerpos médicos especializados e instituciones exclusivas para el cuidado y curación de los enfermos psíquicos (que son el precedente de los hospitales psiquiátricos de hoy). Por todo ello, a Pinel se le considera uno de los padres de la psiquiatría moderna.
Más tarde, figuras como Emil Kraepelin (1856-1926) Sigmund Freud (1856-1939) y Karl Jaspers (1883-1969) dan forma al actual acercamiento de la enfermedad mental desde el punto de vista de las ciencias positivas y de la razón.

Si quieren saber un poco más sobre el tema, el Museo de la Mente de Roma, Italia, es un hospital piquiátrico convertido en museo. El hospital se llamaba Santa María della Pietá, y fue cerrado en 1978, cuando se aprobó una ley italiana que sustituía cuidados de los enfermos mentales, por servicios comunitarios.
El tema recurrente del Museo es anular los prejuicios respecto de las enfermedades mentales. El museo se fundó hace 8 años, y fue reinaugurado en octubre del 2008 después de una reestructuración de alta tecnología a cargo de "Studio Azzurro", un colectivo artístico que trabaja con ambientes interactivos y videos.
“El espectador asume la locura y adopta inconscientemente el aspecto de quien está del otro lado. No queríamos dramatizar sino incluir drama, y echar a volar la dimensión imaginativa que despierta la locura, que puede ser fértil, aún para quienes se consideran cuerdos”, dijo a The New York Times Paolo Rosa, fundador de Studio Azzurro.

Un museo que, Dios y billete de por medio, me gustaría visitar.

Balada para un loco: Roberto Goyeneche y Astor Piazzolla

Viva!, estoy loca, loca, loca!¡Trai lai larará....!
Salud!

14.9.09

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Personaje Museístico: Marilyn Manson.




Aunque nunca fui seguidora de la música Metal, siempre me resultó interesante este género musical que mezcla elementos del rock, del blues y de la música clásica.

Este género, surgido aproximadamente en los años ´60 y que tuvo como precursores a Led Zeppelin, Deep Purple y Black Sabbath, ha ido variando en muchos subgéneros, dentro de los cuales podemos apreciar el Heavy Metal, Hard Rock, Black Metal, Trash Metal, Folk Metal, Gothic Metal, entre tantos otros.
Dentro de estas “categorías” o subgéneros del Metal también se encuentra el “Metal Industrial” (esta música se caracteriza por utilizar riffs pesados, ruidos minimalistas y por poseer un estilo vocal indefinido -todos los cantantes de este subgénero cantan de una manera muy personal debido a las distintas influencias del Metal que éstos poseen-. En algunos casos también se usan sonidos de películas o series de televisión ).

Ahora bien, vamos al tema en cuestión.

Brian Hugh Warner, más conocido por todos nosotros como Marilyn Manson (en honor a la actriz Marilyn Monroe y al asesino Charles Mason) es el vocalista de la banda de Metal Industrial “Marilyn Mason”.
Nacido en Ohio, Estados Unidos, “Marilyn” realizó sus estudios primarios en el Heritage Christian School y en la Glen Oak Public School (es en esta etapa donde Brian quedaría marcado para siempre por la religión. Según él, sus profesores empleaban la vieja técnica de atemorizar a los alumnos mediante visiones infernales). Es precisamente el concepto cristiano de pecado una de las cuestiones mas enervantes para Manson."Todo lo que se considera pecado son, simplemente, emociones de la naturaleza humana, de modo que automáticamente se supone te debes sentir mal contigo mismo. Educan a los niños para que se avergüencen de si mismos. Y eso, al final, lo único que consigues es crear chicos jodidos que acaban suicidándose o matando a otras personas... y entonces la sociedad le echa la culpa a la música rock o a la tv", explicó en una ocasión (es por esto que desarrolló el personaje de Marilyn Manson para vengarse de los que lo habían traumado de niño).
A los dieciocho años se trasladó con su familia a Florida donde estudió periodismo y teatro en el Broward Community College. Un tiempo después inicia su peregrinaje a la fama que lo llevaría, finalmente, a residir en la casa de la víctima más famosa de Charles Manson, la actriz Sharon Tate.
Influenciado por artistas tan diversos como David Bowie, Bauhaus, Judas Priest, Iron Maiden, Motley Crue, Alice Cooper o AC/DC, este híbrido metalero del rock industrial ha hecho de su estética sexualmente ambigua una marca registrada.
En 1997 fue nombrado Honorable Reverendo de la Iglesia de Satán por su amigo y fundador de la doctrina Anton LaVey. Desde entonces Marilyn Manson ha sido identificado con la figura de Lucifer.
Gran parte de sus teorías sobre el Anticristo, el superhombre y el individualismo proceden de Friedrich Nietzsche. La correspondencia de sus ideas y las del filósofo quedan evidenciadas no solo en su álbum “Antichrist Supertar” sino también en su autobiografía “The long hard road out of hell”, cuyo epígrafe es una cita del libro “Genealogía de la moral”, escrito por el filósofo alemán).
Pero la vida de Manson no es solo el “Metal”. Cuando no esta arriba de un escenario, disfruta su tiempo libre leyendo, escribiendo o pintando (algunas celebridades como Jack Osbourne o Nicolas Cage son admiradores y compradores de sus obras). Como si esto fuera poco, se supo que a mediados del 2007, Marilyn estaba trabajando en una cinta cinematográfica llamada “Phantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll” la cual seria su debut como director de cine. La película habla de escritor Lewis Carroll quien escribió el famoso cuento "Alicia en el país de las maravillas" (Manson interpretara también el papel del escritor, además de escribir el guión y crear la banda sonora de la misma). Su estreno se estima para el 2010.

Desde mi punto de vista, un personaje interesantísimo y muy sensible si los hay.

En fin, Metalera o no Metalera, yo me voy a mirar la peliculita de Manson, de eso no hay duda.
Salud!.



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Curiosidades museísticas: Feliz Cumpleaños en diferentes idiomas


Si quieren saber como se dice FELIZ CUMPLEAÑOS en diferentes idiomas, ahí va...

Africano - Gelukkige verjaarsdag
Alemán - Alles gute zum geburstag
Árabe - Eeid milad sa'aeed
Asirio - Eida D'moladukh Hawee Brikha
Australiano - Happy birthday
Austríaco - Ois guade winsch i dia zum Gbuadsdog
Bengali (Bangladesh/India) - Shuvo jonmodin
Búlgaro - Chestit rojden den
Camboyano - Som owie nek mein aryouk yrinyu
Catalán - Feliz aniversari
Chino - Sheng ri kuai le! o Saang yaht faai lokik
Checo - S' t'astné nazoreniny
Danés - Tillykke med folselsdagen
Egipcio - Kule sana winta tayib (niño) Kule sana Wintie tayyiba (niña)
Esperanto - Felichan naskightagon
Euskera - Zorionak zure urtebetetze egunean
Finés - Hyvää syntymäpäivää
Francés - Jouyeux anniversaire
Gallego - Ledicia no teu cumpreanos
Griego - Eftixismena genethlia! o Chronia pola
Groenlandés - Inuununnu pilluarit
Hawaiano - Hau oli la hanau
Hebreo - Yom hudelet sameaj (***)
Hindú - Janam din ki badhai
Holandés - Gefeliciteerd
Húngaro - Boldog születésnapot
Indonesio - Selamat ulang tahun
Inglés - Happy birthday
Italiano - Buon Compleanno
Islandés - Til hamingju med afmaelisdaginn
Japonés - Tanjoubi omedetou
koreano - Sheng-ir mkuài lè
Latín - Beatum Diem Natalem
Lituano - Sveikinu su gimtadieniu o Geriausi linkejimai gimtadienio proga
Malasio - Selamat hari jadi!
Maltés - Nifrahlek ghal gheluq sninek
Mongol - Torson odriin mend hurgee
Nigeriano - Eku ojobi
Noruego - Gratulerer med dagen
Persa - Tavalodet mobarak
Polaco - Wszystkiego najlepszego z okazji urodzin
Rumano - La mult'i ani
Ruso - S dnem rozhdeniya
Sueco - Grattis pa födelsedagen
Swahili - Hongera
Taiwanés - Sen-jit khoài-lok
Thailandés - Sook-san-wan-kert
Turco - Do-gum günün kutlu olsun
Ucranio - Mnohiya lita o Z D dnem naradjennia
Vietnamita - Chuc Mung Sinh Nhat
Yiddish - A freilekhn gebortstog
(***) Iom HULEDET sameaj (Gracias Darío por la correción)
Y si conocen alguno más, bienvenido sea!.
Hasta la próxima.

13.9.09

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Objeto museístico: La torta de cumpleaños



Los domingos no posteo, pero hoy haré una excepción pues es el cumpleaños del amor de mi vida, mi compañero Mariano. Por tal motivo, y como no puede ser de otra forma, el tema de la fecha es: la historia del cumpleaños.

Las primeras celebraciones de cumpleaños tuvieron lugar alrededor de 3.000 a.C., y fueron las de los primeros faraones. Esta práctica comenzó después de unir el Alto y el Bajo Egipto. Dichas celebraciones consistían en brillantes fiestas en palacios y en las que tomaban parte sirvientes, esclavos, y hombres y mujeres libres. A menudo, se ponía en libertad a presos de las cárceles reales.

Gracias a Plutarco, el biógrafo y ensayista griego del siglo I, sabemos que Cleopatra IV, última soberana de la dinastía de los Tolomeos, organizó una fastuosa fiesta de cumpleaños para su amante Marco Antonio, en la que incluso los invitados quedaron colmados de obsequios reales.
Los griegos adoptaron la costumbre egipcia de celebrar los cumpleaños, y a partir de los persas(los grandes reposteros de la Antigüedad) incorporaron un pastel especial. El escritor Filocoro de Atenas (340 a.C. – 262/261 a.C.) explica que los adoradores de Artemisa, diosa de la Luna y de la caza, celebraban el cumpleaños de ésta el sexto día de cada mes, preparando una gran tarta a base de harina y miel. Ciertos datos sugieren que el pastel de Artemisa pudo haber estado adornado con velas encendidas, puesto que las velas representaban la luz lunar, la irradiación de la diosa hacia la Tierra.
Los cumpleaños de las deidades griegas se celebraban con carácter mensual, por lo que cada dios era festejado con doce conmemoraciones al año. En cuanto a los mortales, los cumpleaños de las mujeres y de los niños se consideraban indignos de celebrarse, pero el del cabeza de familia se conmemoraba con un banquete.

Los romanos añadieron un nuevo matiz a las celebraciones del cumpleaños. Antes de comenzar la era cristiana, el Senado instauró la costumbre (todavía practicada hoy) de considerar los cumpleaños de los estadistas más importantes como festividades nacionales. En el año 44 a.C., el Senado aprobó una ley por la que el aniversario del asesinato de César se convertía en festividad anual, realzada por un desfile público, una sesión especial de circo, combates de gladiadores, un banquete vespertino y la representación de una obra teatral.

Con el ascenso del cristianismo, la tradición de celebrar los cumpleaños cesó por completo. Los primeros seguidores de Cristo creían que los niños que entraban en este mundo tenían manchadas sus almas por el pecado original de Adán, por tal motivo no había razón para celebrar el cumpleaños de nadie. Sin embargo, puesto que la muerte era la auténtica liberación y daba paso al paraíso eterno, el día de la muerte de cualquier persona merecía ser conmemorado con plegarias. Contrariamente a la creencia popular, eran los días de la muerte (y no del nacimiento de los santos) los celebrados y los que se convertían en sus “festividades”.
Había otra razón por la que los primeros Padres de la Iglesia predicaban contra la celebración de los cumpleaños. Ellos consideraban estas festividades, originadas entre egipcios y griegos, como reliquias de las prácticas paganas. En el año 245 d.C., cuando un grupo de antiguos historiadores cristianos trató de fijar la fecha exacta del nacimiento de Cristo, la Iglesia católica consideró sacrílega esta investigación, proclamando que sería pecaminoso celebrar el nacimiento de Cristo como si fuese un faraón.
Sin embargo, en el siglo IV la Iglesia empezó a modificar su actitud respecto a las celebraciones de los cumpleaños, e inició también serios estudios para determinar la fecha del nacimiento de Cristo. El resultado, desde luego, marcó el comienzo de la tradición de la Navidad. Con la celebración de la natividad de Cristo, el mundo occidental recuperó la celebración de los cumpleaños.
En el siglo XII, las parroquias de toda Europa registraban ya los nacimientos de sus habitantes, y las familias observaban tales fechas con celebraciones anuales. Con el tiempo, reapareció el pastel de cumpleaños, ahora coronado con velas.

La costumbre del pastel o la torta de aniversario fue observada durante breve tiempo en la antigua Grecia. Resurgió entre los campesinos alemanes en la Edad Media, a través de un nuevo tipo de celebración, una Kinderfeste, ofrecida específicamente a un niño o niña (Kind).
En cierto modo, esto señaló el comienzo de las fiestas infantiles de cumpleaños, y en muchos aspectos un niño alemán del siglo XIII recibía más atenciones y honores que sus coetáneos de los tiempos modernos. Una Kinderfeste comenzaba al amanecer. El niño agasajado era despertado por la llegada de un pastel coronado con velas encendidas. Estas velas se cambiaban y se mantenían encendidas durante todo el día, hasta que, después del ágape familiar, se despachaba el pastel. El número de velas era igual al de los años que cumplía el niño, más una, que representaba la «luz de la vida».

La creencia en que una vela simboliza la vida se encuentra a través de toda la historia. Macbeth habla de la vida como una «breve candela», y el proverbio advierte contra «quemar la vela por ambos cabos».
El niño o niña recibía también regalos y seleccionaba el menú para el banquete familiar, pidiendo sus platos predilectos. Nuestra costumbre de pensar un deseo y soplar las velas procede también de la Kinderfeste alemana. Las velas de cumpleaños debían apagarse con un solo soplido, y el deseo, en caso de convertirse en realidad, debía mantenerse en secreto(el folklore del cumpleaños alemán tenía otra costumbre que ya no se observa hoy en día. El “Hombre del Cumpleaños” era un gnomo barbudo que hacía unos obsequios adicionales a los niños que se habían comportado bien. Aunque este personaje nunca alcanzó la categoría de un Santa Claus (Papá Noel) a principios del siglo XX aún se vendían en Alemania muñecos que lo representaban.

Con respecto a la tan famosa canción “Cumpleaños Feliz”, es Estados Unidos quien la populariza. Supuestamente fue compuesta, a finales del siglo XIX, por las hermanitas Mildred y Patty Hill, y se canta hoy en día en diferentes idiomas a través del mundo occidental.
No puedo olvidarme de los hermosos y multicolores globos cumpleañeros: se dice que los primeros globos eran juguetes para los niños hechos de vejigas o intestinos de los animales, muchas veces llenados con agua. Los globos modernos fueron introducidos por el fabricante pionero de goma, Thomas Hancock.

Eso es todo por hoy, me voy a festejar el "Kinderfeste" de Mariano.
Feliz Cumple Papito.
Te amo (Nunc et in hora mortis nostrae. Amén)


Adieu!!!.

11.9.09

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Museo Samurái

Tuve una etapa de mi vida en la cual pasaba horas y horas mirando anime (además de consumir todo tipo de revistas y libros). Fue en ese momento cuando comencé a interesarme en la vida de los samuráis.

Aunque no existe una certeza del origen exacto de la palabra samurái, la mayoría de los historiadores concuerdan en que la palabra tiene su origen en una variación del verbo en japonés antiguo "saburau" que significa “servir”, por lo que el término derivado "saburai" se convierte en “aquellos que sirven”.
El primer registro que se ha encontrado de la palabra samurái data del siglo VIII y no era aplicado con un carácter marcial, sino que se utilizaba para referirse a los sirvientes domésticos encargados de atender a los ancianos.La palabra finalmente derivó a un aspecto militar y su significado como lo conocemos hoy en día surgió con los gunkimono, una serie de historias de guerra del siglo XII gracias a las cuales se ha podido estudiar el comportamiento, metodología y apariencia de la élite militar.
Los términos bushi y samurai han sido utilizados como sinónimos, pero la diferencia radica en que la palabra bushi significa sencillamente "guerrero" sin importar su posición o jerarquía, mientras que la palabra samurái se refiere a los miembros de una élite militar.
La historia del samurái comienza aproximadamente en el siglo X y se fue fortaleciendo al concluir las Guerras Genpei a finales del siglo XII (donde fue instituido un gobierno militar bajo la figura del shōgun). Su momento cumbre tuvo lugar durante el período Sengoku, una época de gran inestabilidad y continuas luchas de poder entre los distintos clanes existentes, por lo que esta etapa de la historia de Japón es conocida como “período de los estados en guerra”. El liderazgo militar del país continuaría a manos de esta élite hasta la institución del shogunato Tokugawa, en el siglo XVII, por parte de un poderoso terrateniente samurái (conocidos como daimyō) llamado Tokugawa Ieyasu, quien paradójicamente, al convertirse en la máxima autoridad al ser nombrado como shōgun, luchó por reducir los privilegios y estatus social de la clase guerrera.
Históricamente la imagen del samurái ha estado más relacionada con la de un espadachin que con la de un arquero a caballo, y no fue sino hasta que reinó una relativa paz cuando la espada adquirió la importancia con la que la relacionamos en nuestros días. En la sociedad actual, la fantasía y la realidad de los samuráis se ha entremezclado e idealizado y sus historias han servido de base tanto de novelas, como de películas y tiras cómicas.
Durante la mayor parte de la historia de los samuráis, el arco japonés (llamado yumi) fue su arma preferida y sólo se solía recurrir a la espada al descender del caballo y entablar combate cuerpo a cuerpo. La técnica del uso del arco a caballo necesitaba de mucha práctica, ya que sólo se podía disparar por el lado izquierdo del jinete y se contaba con un ángulo de disparo de 45º. Durante 1510, los samuráis conocieron el cañón de metal y en ese mismo año, Hōjō Ujimasa compró una pistola china. Para 1548, durante la Batalla de Uedahara, se registró el uso de armas de fuego, con lo que de una forma u otra su uso se había extendido entre los distintos clanes.
El nihontō, conocido en occidente como katana, es el arma más estrechamente relacionada con el samurái e incluso se le llegó a considerar como “el alma del samuráis” (se decía que una buena espada debía ser capaz de dos cosas: cortar siete cuerpos apilados uno encima del otro y estar lo suficientemente afilada como para que al sumergirla en el agua pudiera cortar un nenúfar que flotara en la superficie).
Es importante destacar que en medio de las batallas algunos samuráis decidían bajar del caballo y buscar cortar la cabeza de un rival digno. Después de la batalla, los samuráis de alto rango celebraban normalmente la ceremonia del té, y el general victorioso pasaba revista a las cabezas de los miembros más importantes que habían sido cortadas (cortar la cabeza de un rival era motivo de gran orgullo y reconocimiento. Existía todo un ritual para embellecer las cabezas cortadas: primero eran lavadas y peinadas y una vez efectuado esto, se ennegrecían los dientes aplicando un tinte llamado ohaguro. El motivo de ennegrecer los dientes radicaba en que unos dientes blancos era un signo de distinción, por lo que aplicarles un tinte para oscurecerlos era una forma metafórica de quitarles un poco de la misma. Finalmente las cabezas eran dispuestas cuidadosamente sobre una tabla para su exposición).

Un aspecto de los samuráis casi desconocido en la actualidad son las aportaciones al arte que realizaron algunos daimyō durante la historia de Japón. Muchas de estas familias tenían una excelente formación en literatura y estética del mismo modo que dominaban tácticas de guerra. Algunos personajes que destacan por sus aportes hacia el arte son Oda Nobunaga y Toyotomi Hideyoshi, los cuales comenzaron la unificación del país durante el periodo Azuchi-Momoyama mediante sangrientas guerras.
Hideyoshi fue el personaje por el cual la ceremonia del té se convirtió en un arte. La gran ironía es que los recipientes para esta ceremonia eran traídos desde Corea, país que Hideyoshi invadió en dos ocasiones. Hideyoshi contrató a dos hermanos quienes, bajo la supervisión del famoso maestro del té Sen no Rikyū, crearon el estilo raku de recipientes.

Una curiosidad es la siguiente armadura para perro “samurái”.

Esta armadura ha sido identificada por el distribuidor Toraba como la única armadura samurái que se conoce para un perro. Se cree que ha sido diseñada para la mascota de un excéntrico samurái o daimyo (señor feudal), a finales del periodo Edo.
A pesar de que la madera tallada del casco y la cota de mallas negra le hubieran proporcionado una considerable protección al animal en el combate, nunca se ha utilizado para la lucha. Solamente se usaba para desfiles en actos oficiales y en ceremonias (la armadura samurai de perro, todavía sin bautizar, pertenece actualmente a un museo británico).

Por último: si por esas cosas de la vida viajan a México pueden darse una vuelta por el Museo Samurái de Azano, de esta manera podrán apreciar exposiciones permanentes y temporarias referentes a la vida del Samurai, así como también exhibiciones de arte relacionadas a la temática.

Un museo que, Dios y billete de por medio, me gustaría visitar. Salud!.

8.9.09

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10 Curiosidades sobre McDonald´s.


1) 27 millones de personas comen en McDonald´s todos los días.
2) Un experto en nutrición estadounidense guarda una hamburguesa desde 1996 para enseñárselas a los padres de sus alumnos.
3) 1 de cada 8 estadounidenses ha trabajado en esta empresa. El diccionario de Oxford, desde 1986 ha incorporado el termino Mc-job para referirse a un trabajo que requiere pocas habilidades y cuyo salario y prestigio son bajísimos.
4) En el año 1984 se abrió un local de McDonald´s en el mundo cada 18 Hs (hoy en día se inaugura uno nuevo cada 4 Hs).
5) En la India, donde el Hinduismo tiene reglas dietéticas que prohíben el consumo de carne vacuna, el Big Mac se ha renombrado como Camelaraja Mac y se elabora originariamente con carne camello.
6) La revista de economía titulada The Economist utiliza la hamburguesa Big Mac como punto de referencia para establecer un índice comparativo del costo de vida de cada país (Big Mac Index) a partir del precio de dicha hamburguesa.
7) Para los japoneses Ronald McDonald es Donald McDonald debido a que les es más fácil pronunciar su nombre así.
8) El Big Mac es considerado el símbolo por excelencia del capitalismo estadounidense. Esta hamburguesa es el comestible más vendido del mundo, con 50 millones de unidades anuales.
9) Don Gorske es un yanqui obsesionado con el Big Mac. En su corta vida de 36 años ha comido 23.000 de ellas (y lo que es peor, ha conservando los tickets). Don afirma que ha comido el Big Mac todos los días de su vida menos uno, el día que murió su madre, que se abstuvo en honor a ella.
10) Latreasa Goodman llamó 3 veces al número de emergencia 911 para reclamarles que un Restaurante Mc Donald’s se había quedado sin Nuggets, razón por la cual no habían podido despachar su pedido.
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Personaje Museístico: El Payaso "Ronald McDonald".

Cuando estaba en 5to grado fui al circo con toda la escuela. Mis compañeritos querían ver a los malabaristas, yo a la mujer barbuda. Abrió la función una pareja de trapecistas que parecían pájaros volando por los aires. Todo era maravillosamente perfecto hasta que, lamentablemente, el trapecista perdió el equilibrio y su compañero salió volando por los aires aterrizando en medio de los espectadores. Por suerte no tuvimos que contar victimas de gravedad, pero más tarde nos enteramos que el trapecista había quedado inválido. Luego de ese percance, y aunque ustedes no lo puedan creer, la función continuó (aunque no por mucho tiempo ya que dos de las maestras que nos acompañaban pusieron el grito en el cielo cuando, según ellas, los payasos quisieron “levantarlas”). No se cual fue el destino de los payasos, lo que si sé es que al día siguiente el circo había desaparecido como por arte de magia. Esa fue la primera y única vez que los payasos me hicieron reír como una condenada.


Según las fuentes, la historia de los payasos comienza hace unos cuatro mil años, en la antigua China, cuando un bufón llamado Yusze, servía en la corte del emperador Chiiu Shih huang-ti (a quien se debe la construcción de la gran muralla china). Desde esta época ya le sería otorgado a este personaje un privilegio que le será reconocido a lo largo de la historia: el poder burlarse del rey, hacerle sugerencias, e influir contundentemente en sus decisiones.En Grecia, los payasos irrumpen en lo que podría ser denominado como el antecedente de las atelanas, tradición seguida por los romanos en la que se presentaba una obra teatral y los payasos aparecían en los intermedios, o al final, interpretando una propia versión cómica de la obra (dentro de los payasos romanos se hicieron famosos Cicirro, que usaba una máscara con cresta de gallo y Estúpido, que llevaba un traje de parches y un gorro puntiagudo). Con el emperador Constantino comienzan a desaparecer, poco a poco, los teatros y las famosas atelanas y es por ello que los payasos se ven obligados a errar por las plazas y mercados de los diferentes países europeos, convirtiéndose en seres nómades.

En las cortes de la Edad Media surgen los llamados “bufones”. Aunque el papel de los bufones y payasos generalmente estaba limitado a la servidumbre, hay evidencias de que algunos gozaban de un trato familiar por parte de sus amos. Triboulet, bufón del rey francés Francisco I, era llevado a las campañas militares, pero el ruido de los cañones le asustaba tanto que generalmente se escondía debajo de una cama. En una ocasión fue amenazado de muerte y, al poner en aviso a su rey, éste le respondió que no se preocupara, que si aquel hombre se atrevía a matarlo sería asesinado media hora después. Entonces Triboulet, mirando preocupado al rey, respondió: "¿No podrás hacerlo ejecutar media hora antes?".En los siglos XVI y XVII, se hace célebre un nuevo estilo teatral inspirado en la atelana romana: La Comedia del Arte. Es aquí donde hace su aparición Arlequín (Arlecchino en italiano) cuyo traje estaba hecho de rombos multicolores, los cuales en un principio eran parches que representaban la pobreza. Más tarde, en Francia, aparecería Pierrot que influiría de manera decisiva en la conformación del payaso moderno.

El primer payaso moderno de la historia fue Giuseppe Grimaldi (célebre a tal punto que el escritor Charles Dickens escribió su biografía). Nacido en 1778, fue mimo y cómico. Los expertos lo consideran el pionero del genero Clown, ("clown" es derivado de clod, aldeano, y ello se debe a que los primeros payasos de circo vestían como los campesinos). Por otra parte, la primera mujer payaso fue Elizabeth Silvestre, quien, en 1835, trabajó en el circo de Pablo Franque en Inglaterra.

Ahora paso al tema puntual del día de la fecha que es, nada más ni nada menos, Ronald McDonald.
Ronald McDonald es un payaso utilizado como la mascota principal de la cadena de comidas rápidas McDonald's. En los anuncios de televisión, el payaso habita en un mundo de fantasía llamado McDonaldlandia, y tiene aventuras con sus amigos, el alcalde de McCheese, el Hamburglar, mueca, Birdie el Early Bird, y los niños Fry.
La historia de nuestro amigo en cuestión comienza por el año 1960, cuando el actor Willard Scott sobrevivía en la televisión local gracias a su personaje “Bozo el payaso” (ícono infantil en Estados Unidos y además fuente de inspiración para el Krusty de “Los Simpsons”). Según cuenta Scott en su biografía “The Joy of Living”, Bozo era uno de los personajes más queridos por los niños americanos de la época: por lo tanto, parecía algo natural que las dos cosas que les encantaba a los niños (payasos y hamburguesas) se unieran para formar un gran dúo dinámico. De esta manera, y más rápido que ligero, los McDonald’s se contactaron con Scott para que “Bozo” estuviera presente en la apertura del primer restaurante en Alexandría, Virginia (tres años más tarde, en 1963, el show de Bozo había sido cancelado y los “supremos” de McDonald’s le pidieron a Scott que inventara otro personaje totalmente nuevo para cubrir su hueco. Dicho y hecho: Scott meditó y reflexionó sobre el tema y creó a Ronald McDonald, el payaso más conocido del mundo.

No puedo dejar de comentar una noticia que recorrió el mundo hace tan solo unos meses. Según cuentan, en un McDonald de Plan de Ayala, en Cuernavaca, Morelos, un joven murió de un infarto luego de que el payaso de plástico que estaba sentado en una de las bancas lo abrazara de forma efusiva.
El testigo que relató los hechos ahora se encuentra en estado de coma, pero llegó a contar que su amigo (ahora finado) se sentó en la banca junto al payaso, y cuando dijo que se sentía muy cansado Ronald lo abrazó y le dijo que él también lo estaba. Después de eso, el joven cayó muerto, mientras que su amigo se desmayó y minutos más tarde fue llevado por los paramédicos del Escuadrón de Rescate y Urgencias Médicas (ERUM), al Hospital General de Cuernavaca.

Lo último que se supo del "caso" es que Ronald McDonald, tras meses de permanecer prófugo, finalmente fue capturado tratando de huir con rumbo desconocido.



Me despido hasta la próxima.
Adieu!!.

4.9.09

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Pensamientos de la Museóloga:



Hace poco más de 1 mes me encontraba leyendo una nota sobre el artista Damien Hirst y, desde ya, sobre una de sus “obras de arte” que es, nada más ni nada menos, un “tiburón en una caja de vidrio llena de formol” (esta “obra de arte” y otras de características similares le han hecho ganar algo más de 300 millones de euros, convirtiéndolo en el “artista vivo” mejor cotizado del momento). La obra en cuestión, vendida hace unos años por casi 12 millones de dólares, fue titulada "La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo" y fue realizada en su taller gracias a los 120 "obreros" que trabajan dandóle forma concreta a sus creaciones.
Algunos dicen que este conceptual artista es el nuevo Duchamp del siglo XXI, yo digo que si Duchamp se levantara de la tumba agarraría a más de uno por el cuello.

Cuando Duchamp realizó la obra “Fuente” (un urinario de porcelana blanca) y la firmó con el seudónimo "R. Mutt"(en ingles tonto, zoquete) fue para oponerse radicalmente a la sacralización de la obra de arte como una creación única e irrepetible” salida de las manos de un "genio".
Duchamp rechazó las formas tradicionales del arte como medio de expresión, cambió la concepción de lo que es el arte (esto es muy distinto a los “excesos” que han realizado, en nombre suyo, muchos artistas como Damien Hirst, un hombre que la única característica que posee es la gran destreza y manipulación para ganar crujientes dólares).

Para Duchamp su urinario fue una broma “provocadora”, para Hirst su arte es indiscutidamente maravilloso. Duchamp es sinónimo de revolución, Hirst sinónimo de mercado.
Es lamentable que la brillante broma de Duchamp no haya sido percibida como tal, pero igualmente dejó de manifiesto el grado de estupidez de los “cultísimos” interlocutores que tomaron un simple inodoro y lo transformaron en un objeto de culto adorado por multitudes
Creo que la famosa frase de Duchamp es una magnífica síntesis del tema:
“Les he tirado a la cara el estante de las botellas y el orinal y ahora los admiran por su belleza estética".
Por ultimo:
Un inodoro es un inodoro, un tiburón es un tiburón, y un Hirst ni siquiera es la sombra de un Duchamp.
Las cosas… por su nombre. Salud!.